引き続き夏休み読書。これも最近出たばかりの本だが、J.P.バブロン、A.シャステル『遺産の概念 (叢書・ウニベルシタス)』（中津海裕子、湯浅茉衣訳、法政大学出版局、2019）をざっと通読。ここでの「遺産」は文化遺産のこと。原書は1994年刊だが、文化遺産をどうするかといった問題そのものは、つねにアクチャルな問いではある。内容的には、キリスト教中世から近世を経て近代までの、フランスにおける文化遺産をめぐる象徴史、というところか。訳文はやや硬め。文化遺産という概念そのものはまだ比較的新しいものだが、もともとそれは古来からの宗教的財産（聖遺物や礼拝堂など）という考え方の遠い残響に相当する。古代末期から中世以降、世俗の権力が影響力を増すと、そうした財産の考え方は教会の枠を超えて、王族の財産（レガリアこと聖別・戴冠式の道具、図書館、古代遺跡・城など）に影響を及ぼすようになる。さらに後には、財産保全の意識は貴族階級全般へと拡大されて、土地（さらには城館）などが重要度を増していく。ブルジョワジーにいたっては経済的価値のみが重視され、モダニストは容赦なく遺産の転覆を担うことにもなる……。

近代国家もそうした流れを踏襲する一方で、記念建造物、芸術作品などの保護が重視されるようになる（同書にはないが、国家的なもののある種の系統関係を維持するという目的からして、それは象徴的世襲と言ってもよいかもしれない）。とはいえ、国土整備とのかね合いもあり、何を修復・保存するかは恣意的な判断に委ねられてきた。中央集権的な行政の整備、および教育的普及にともなって、結果的に恣意的な「目録」が強化され、次第に地方文化への愛着が薄れていく（なるほどこのことは、先のパリのノートルダム大聖堂火災の後に見られた寄付の騒動などでも顕著だった）。最後の章の冒頭では、フランスの文化行政と対照的なものとして、日本の文化遺産への取り組み方が、やや理想化された解釈（ロラン・バルト的な）のもとで取り上げられている。寺院などを新しい建材で定期的に建て替えていくというメンテナンスの方法が、傷ついた古い建築物などを置き換えないままに保持しようとしてきた西欧の姿勢と対比されているのだ。けれどももちろん日本にも、景観の均一化、早すぎる再建・解体のサイクル、近代以降の記念建造物へのリスペクトの低さなど、様々な問題があることも事実であり、刷新や再建の問題はそんなに容易ではないことを改めて思わせる。

あいかわらず趣味のProcessingでの演習も続けている。近頃はちょっと気の利いたデザインや動きのある模様などをみると、Processingで再現もしくは似たようなエフェクトを作るにはどうすればいいかと考えるようになった。だいたいこんな感じかと思って実際に打ち込んでみると、うまくいったりいかなかったりし、不首尾の場合はさらにあれこれ考えるわけだけれど、そうした試行錯誤がまたなんとも楽しい（笑）。

そんなこともあって、最近は図像への関心（絵画にとどまらず）がさらに高じてきており、関連する論考なども改めて読んでいきたいと思っている。というわけで、今回は手始めにこれ。ゴットフリート・ベーム『図像の哲学: いかにイメージは意味をつくるか (叢書・ウニベルシタス)』（塩川千夏、村井則夫訳、法政大学出版局、2017）。個人論集だが、個々の論考から浮かび上がるテーマとして、図像というものを行為（見せる行為、描く行為）の側から捉えようという姿勢に貫かれている。

そもそも図像（イコン）は「人間の奥深くに根ざした欲求」（p.35）であると著者は述べ、さらに「不在という影をもたない図像は絶対に存在しない」（p.36）と指摘する。図像は物質的な基盤でもって別の何かを呈示するという点で、その別の何かがその場に根本的に不在であることが前提されている、ということ。そこから、地（物質的な支持材）に対して図（別の何か）がいかにして浮かび上がるのか、いかにして浮かび上げるのかが問題になる。こうして様々な図像の検証が始まる。ただしそれは一貫して、図像を成立させる行為の視点からの解釈学的な議論になる（この点で、史的な考察を読み込みたいと思っていると、多少フラストレーションがないわけでもない）。たとえば図像としての地図。それは地平線を必要としないことから、風景描写などとは「まったく別種の視覚体験にもとづいている」（p.83）というが、ここでは両者がいかに歴史的に成立したのかといった根本問題は問われない。むしろ両者が史的にいかに離れ、またときに接近しりしてきたのか（ダ・ヴィンチやエル・グレコ、そして現代アートの例など）を、著者はまとめていく。

それでも興味深いトピックはいくつもある。たとえば素描の問題。図像のいわば「始まり」でもある素描は、まさに地から図が浮かび上がる原初の風景だ。素描に刻まれる痕跡は「可視性が形成される過程をまるごと包み込んでいる」と著者はいう。その上で著者は、「地と図の相互作用の諸要素」（p.154）を探ろうと訴える。素描として刻まれる痕跡は、「形式ならざるものと多義的なものとが自ら可視的なものに変貌を遂げる」（p.164）プロセスだとされ、そこでは線がどう動いたかを示しながら、同時にそうした動きの前後関係で規定される時間性を出し抜いて、時間的な総合をももたらすとされる。平面として、そうした時間的な動きは一度にそこに晒される、ということだ。素描に示されるのはそうした総合をなす「平面の力学」なのだという。

ほかにも、図像における輪郭線のゆらぎの問題などもある。地に対する図というかたちで先鋭化するイコンは、一方で輪郭がぼやけることで非イコン化することができるし、実際に近代以降から現代アートまで、そうした例には枚挙にいとまがないほど。この非イコン化のプロセスの原因を、著者は「未規定性」と称し、近代絵画（印象派など）を例に、そこに図像を導く別様の力の可能性を見てとっている。そうした未規定性の潜在力は、ライプニッツの微小表象やポランニーの暗黙知にも重ねらられ、さらには「未規定なものとの関係を通じてこそ知覚が確立される」というフッサールの議論（p.224）が引き合いに出されている。こうした主題のそれぞれがさほど深められている印象はないけれど、いっそうの考察を促すという意味で、同書はまさに導入の書というにふさわしい。

今週もちょっと忙しかったので、とりあえず雑記的な簡易メモ。同じく平行して進めていた原典読みだが、短いテキストなのでわりとすぐに読了となったのが、テオフラストスの『石について』（Théophraste, Les Pierres (Collection des universités de France, Série grecque), trad. Suzanne Amigues, Les Belles Lettres, 2018 ）。前回のセレノス本と同様、これも最近刊行されたばかりの希仏対訳本。鉱石論ということだが、植物誌などと同様に、形状や色によるの分類の話から始まって、そうした違いが生じる原因、さらにはそれぞれの石の利用価値・用途などについてまとめている。固着の原因としてとくに熱や寒さなどが挙げられている点や、鉱石の分類に機能的な諸特徴（可溶性、可燃性など）が用いられているところなど、師匠のアリストテレス譲りな点も多くみられる。熱することで一部の鉱石が金属に変化することなどを受けてか、テオフラストスは熱の問題にとくに注目している印象も受ける（これはこちらの個人的な関心のせいかしら？）。同じ分類の石でも産地によって性質の違いが生まれることなどにも着目していて、たとえば絵具として用いる石が、産地によって特徴が異なることなどに言及している。